XEN

Espacio-Tiempo en la ucronía

2012-01-30T06:25:00.001-08:00

Omer Fast

2012-01-12T17:31:00.000-08:00

El artista de Jerusalén Omer Fast vive un momento dulce con varias exposiciones simultáneas y la reciente concesión de un importante premio.

Trabajando en las nuevas posibilidades de la narrativa audiovisual, Omer Fast se ha convertido en uno de los artistas más importantes de su generación. Nacido en Jerusalén pero residente en Berlín desde hace años, el artista ha construido un cuerpo de trabajo que esta basado en los deslizamientos a la hora de contar historias, motivo recurrente en el trabajo de un buen número de artistas contemporáneos. Fast trabaja con cine y video para subrayar las inmensas posibilidades narrativas de uno y otro. Hay también en su trabajo un interés notable por el modo de aprehender y asimilar nociones temporales. Su inclinación a mostrar su trabajo en varias pantallas así lo atestigua. Reseñamos aquí su exposición en la South London Gallery por ser el trabajo mas reciente pero la actualidad de Omer Fast le lleva desde Londres hasta Berlín y de ahí a Indianápolis donde estos días se muestra también uno de sus trabajos mas laureados.

Nostalgia, título de resonancias tarkovskianas, es una instalación de cine dividida en múltiples pantallas que narra la historia de un grupo de nativos británicos que trata de encontrar asilo en áfrica. Corre el año 1980 y el mundo no es el lugar soñado sólo alguna década antes. Es, por el contrario, un lugar que flirtea con el caos más absoluto. Soldados británicos refugiados huidos del desastre que se cierne sobre su país buscan asilo en un lugar de áfrica, pero ahora el anfitrión es hostil y no les será fácil lograr su objetivo. Parecería como si el destino quisiera jugar una mala pasada a quien un día ostentó el papel colonizador pues todas las nociones preconcebidas por los británicos se van por la borda en su encuentro con el africano. Uno de ellos es interrogado sobre la existencia de un túnel por el que se cuelan los candidatos ingleses a un futuro mejor y le es ofrecido un pacto por el que alcanzar su anhelado Edén solo si da cuenta del paradero de sus compañeros. Es una historia que hemos oído hasta la saciedad, pero en sentido inverso. No en vano, la trama llegó a oídos de Fast a través de una tercera persona que lo vivió en sus carnes en su afán de llegar a Gran Bretaña. Es una ficción, por tanto, que parte de un hecho real. Las imágenes nos hacen saltar de un plano temporal a otro y nos sitúan ante diferentes metodologías como la ficción, la realidad, el documental, el testimonio... En un modus artístico que goza hoy de gran popularidad en el arte de hoy.

Nostalgia da buena fe de los intereses del artista. Imbricados en la dialéctica de la imagen en movimiento, sus trabajos remiten a la voluntad de contar historias pero quieren, al mismo tiempo, explorar nuevas posibilidades a partir de su propia ruptura y de la introducción de elementos disonantes que hacen de ella un corpus complejo de formas narrativas. Un buen ejemplo de este sistema de interferencias es la pieza The Casting, una de sus mas aplaudidas, que estos días se puede ver también en el Indianapolis Museum of Art. La trama nace a partir de los testimonios reales que Fast toma de un soldado estadounidense en una base de Texas poco antes de su segunda misión en Irak. Cuenta el soldado dos recuerdos vividos en su primer viaje, el de una cita con una alemana en una base de Bavaria y el de la muerte de un civil en Irak. Fast hilvana las dos historias y a ellas une una tercera, ficticia, de un director de cine que da instrucciones a un actor en un casting. La trama termina convirtiéndose en un magma de turbia legibilidad, y el espectador se encuentra en todo momento en una suerte de tierra de nadie de la que es no es fácil salir.

El trabajo de Fast también puede verse estos días en Berlín, en los extraordinarios espacios de la Hamburger Banhof, con motivo de la exposición de los finalistas al Nationalgalerie Preis, uno de los más importantes de Europa, dirigido a artistas menores de cuarenta años residentes en Alemania. Concurrían en ella Annette Kelm, Dahn Vo, Keren Cytter y Omer Fast, en quien finalmente recayó el galardón, un premio más en su aún joven trayectoria.

Cory Arcangel 1978 "estilo sucio"

2012-01-12T05:43:00.000-08:00

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Una de las cosas que más llama la atención del trabajo de Cory Arcángel es la increíble variedad de lo que hace y su desorden. Lo ha confesado él mismo en una entrevista:
“soy el clásico “multi-tasker”, de esos que han crecido viendo la televisión mientras hacían los deberes”.

Tiene un sitio web, mejor dicho, un blog, o mejor aún, un par de ellos, pero no son los mejores lugares para empezar a ver sus trabajos. Se define como programador, pero es sólo una de sus tantas identidades: profesor, músico, artista, performer, curador y (ocasionalmente) crítico de arte.

Algunas de estas cosas las hace como Cory, otras como miembro de uno de tantos grupos y colectivos a los que pertenece o con los que colabora ocasionalmente: Beige, il Contagious Media Group, The 8bit Construction Set, i Gay Beatles, RSG, Paperrad. Y a menudo los presenta como trabajos personales y colectivos.

Pero cuando consigue superar la confusión generada por links desfasados, trabajos ordenados de diferente manera, identidades múltiples…, se puede hacer un descubrimiento que resulta todavía más sorprendente: una rara coherencia, subterránea pero no por ello menos tenaz. Un hilo rojo trazado a punta de ratón, sucio y tembloroso como el “estilo sucio” que tanto le gusta, pero sólido, que resulta inconfundible en todo aquello que hace.

El amor por los “viejos sistemas” es uno de los fundamentos de esta coherencia. Podríamos hablar de “nostalgia”, y no hay ninguna duda de que la atracción retro-chic de su trabajo ha contribuido -junto a que es un irresistible performer- a hacerse alumno de la escena newyorkina, atraído por Jeffrey Deitch y por otras realidades privadas e institucionales.

Creo que el término adecuado para Cory Arcángel es “economía”. En una entrevista a John Bruneau ha declarado: “No me gustan estos viejos sistemas por nostalgia, sino porque son baratos y es fácil trabajar con ellos. Además se encuentran a medio camino entre el vídeo analógico y el digital.” Economía de conocimiento y de instrumentos, porque es mucho más rápido y sencillo aprender a modificar un viejo cartucho de Nintendo que cualquier instrumento reciente. Economía de espacio, de código, de bit, que en la época de la banda ancha le lleva a realizar trabajos muy poco pesados, a menudo por debajo de 32 k. Economía de referencia intelectual, que le lleva a declarar: “Me gustaría decir que hubo algún artista contemporáneo cuyo trabajo realmente me hizo reflexionar, pero últimamente lo único que he hecho ha sido intentar ordenar los 20 años de cultura basura televisiva que llenan mi cerebro.”
Cory Arcángel busca el máximo efecto con el mínimo esfuerzo y considera un valor “hacer lo menos posible”. Alexander Galloway, a propósito de “Data Diaries”, un trabajo que consistía simplemente en convencer a Quicktime de que el contenido de la memoria temporal de un ordenador fuera un archivo de video, ha escrito: “¿qué hizo Cory Arcángel con este pieza? Nada.
El ordenador hizo el trabajo y él solamente le dió forma. Su descubrimiento fue el siguiente: coje un archivo de datos enorme -en este caso el archivo de la memoria de tu ordenador- y haz creer a Quicktime que es un archivo de video. Después ejecuta play. La memoria de tu ordenador ahora es video arte. El Quicktime lo reproduce entero sin saber que las rayas y el ruido de la pantalla son realmente los bits y bytes del propio cerebro del ordenador. Los datos siempre han estado justo delante de tus narices. Ahora puedes verlos.” Y entrevistado por Bruneau sobre la presunta pubertad de este trabajo, Arcángel responde: “La simplicidad es una baza, no un defecto…mira por ejemplo la obra de las nubes. Es muy simple. Cuanto más pequeña es la idea más contento estoy de ella.”

Ligereza, para Arcángel, quiere decir también superficialidad Pop. De ahí la constante negación de cada influencia artística que no sea contemporánea y no nazca de una relación de amistad; de ahí su amor apasionado por al televisión y por internet: “Soy un artista pop y toda la cultura pop me parece bien. Me encanta todo. Ahora no tengo tele, porque si la tuviera, estaría viéndola SIEMPRE!!!” Como en el Pop Art en esta superficialidad hay mucha ostentosidad, pero destaca el hecho que todos sus trabajos nacen del placer de hacerlos y de una concepción del arte como placer, diversión, pasatiempo. Es muy divertido escuchar el repaso que le hace a Hanne Mugaas de su infancia en Buffalo, donde empieza a hacer sus primeros videos junto con su hermana. Además, aclara las raices de esta concepción: “Lo primero de todo es que nunca había NADA que hacer, por eso tuve que buscarme entretenimientos y así es como terminé haciendo videos con mi hermana cuando éramos pequeños. Creo que esto es bastante común. De todas formas, Buffalo tiene esta rara cultura de vídeo arte. En los 70 todos esos chiflados del vídeo arte neoyorquinos se mudaron allí para dar clase en la universidad. Entre ellos estaban Stan y Woody Vasulka […] y Tony Conrad […] El trabajo de estos artistas realmente definió la identidad artística de la ciudad. Recuerdo estar viendo la tele cuando era más joven y ver esos vídeos raros, minimalistas, de campos de colores por la noche. Es difícil expresarlo, pero creciendo allí nunca ví raro hacer un vídeo a cámara lenta de 15 minutos. Nadie me dijo que eso fuera raro, …veía cosas así en la tele pública todo el rato, así que hasta que me mudé, no me enteré de que esos eran vídeos ‘de arte’!”

Una vez dejado Buffalo, se traslada a New York, donde estudia guitarra clásica en Hoberlin. “Beige” nace alrededor de 1997, en los últimos años de conservatorio, y constituye la base “comunitaria” en la que se coloca toda su actividad sucesiva. Nominalmente, el grupo fundado por Cory Arcángel con Joe Beuckman, Joe Bonn y Paul B. Davis, es un colectivo de programadores, pero también un grupo musical y una pequeña casa discográfica. “Después de algunos discos, todos empezamos a hacer algunas cosas realmente extrañas, y terminamos saliendo de este mundo para meternos en el pirateo de hardware, el video-arte o la bisutería [no vemos ninguna diferencia entre el trabajo de audio y el visual], así que nos acuñamos el nombre de BEIGE como si fuera un paraguas que describía todo lo que hacíamos.”

Postmodernismo

2011-12-28T12:20:00.000-08:00

El Postmodernismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmodernista de que no existen términos definidos, límites, ni verdades absolutas. En este artículo, el término "postmodernismo" se mantendrá vago, ya que aquellos que afirman ser postmodernistas tienen variadas creencias y opiniones sobre temas.

¿Son el nacionalismo, la política, la religión, y la guerra el resultado de una mentalidad humana primitiva? ¿Es la verdad una ilusión? ¿Cómo puede el cristianismo reclamar primacía, o dictar la moral? La lista de inquietudes sigue y sigue, especialmente para aquellos afectados por una filosofía y estilo de vida postmodernista. Para algunos, las preguntas provienen de una pérdida de la confianza en un mundo corrupto occidental. Para otros, el asunto es liberarse de la autoridad tradicional. Su inquietud se centra alrededor de la continua confianza occidental en principios religiosos antiguos y tradicionales, nacionalismo, capitalismo, sistemas políticos ineptos, y el uso imprudente e impacto adverso de promover "compromisos" entre los recursos energéticos y el medio ambiente, por ganancia económica.

Para el postmodernista, la sociedad del mundo occidental es un estilo de vida pasado de moda, bajo burocracias anónimas e impersonales. El postmodernista discute con el modernista sin parar, acerca de la necesidad de la sociedad occidental de avanzar más allá de su primitivismo de pensamiento y prácticas tradicionales.

Sus inquietudes a menudo incluyen, por ejemplo, la manufactura y uso de armas de destrucción masiva, la promoción de una cantidad ilimitada de consumismo, creando, de esta manera, una derrochadora sociedad de "usar y tirar" a costa de los recursos de la tierra y del medio ambiente, mientras que al mismo tiempo no satisface las justas y equitativas necesidades socioeconómicas del pueblo.

Los postmodernistas creen que las afirmaciones occidentales de libertad y prosperidad continúan siendo nada más que promesas vacías, y que no han satisfecho las necesidades de la humanidad. Ellos creen que la verdad es relativa y que depende de cada quien el determinarla. Muchos creen que el nacionalismo construye murallas, crea enemigos, y destruye a la "Madre Tierra," mientras que el capitalismo crea una sociedad de "tener y no tener," y que la religión causa fricción moral y división entre pueblos.

El postmodernismo afirma ser el sucesor de la Ilustración del siglo XVII. Por más de cuatro siglos, los "pensadores postmodernistas" han promovido y defendido una manera de la Nueva Era de conceptualizar y racionalizar la vida y el progreso humano. Los postmodernistas son típicamente ateos o agnósticos, mientras que algunos prefieren seguir pensamientos y prácticas de la religión oriental. Muchos son naturalistas, incluyendo a los humanitarios, ecologistas, y filósofos.

Ellos desafían los valores centrales religiosos y capitalistas del mundo occidental, y buscan cambiar a una nueva era de libertad dentro de una comunidad global. Muchos prefieren vivir bajo un gobierno global, apolítico, sin límites tribales ni nacionales. Uno que sea susceptible a la igualdad socioeconómica de todos los pueblos.

Postmodernismo - ¿Correcto o Incorrecto?

Los postmodernistas no intentan refinar sus pensamientos acerca de lo que es correcto o incorrecto, verdadero o falso, bueno o malo. Ellos creen que no existe tal cosa llamada verdad absoluta. Un postmodernista ve al mundo exterior fuera de sí como errado, esto es, la verdad de otras personas se vuelve indistinguible del error. Por lo tanto, nadie tiene la autoridad de definir la verdad o de imponer sobre otros su idea de principios buenos y malos.

Su propia racionalización individual del universo y mundo a su alrededor hace que se enfrenten entre sí en contra de revelación divina versus relativismo moral. Muchos escogen creer en el naturalismo y la evolución en lugar de en un Dios y el creacionismo.

Los postmodernistas protestan la supresión de la sociedad occidental de los derechos de igualdad. Ellos creen que el sistema económico capitalista carece de distribución igualitaria de bienes y salarios. Mientras que unos pocos ricos prosperan, la masa popular se empobrece. Los postmodernistas ven las constituciones democráticas como defectuosas en esencia, imposibles de cumplir, e injustas en principio.

Jean Baudrillard 1929-2007

2011-12-16T17:57:00.000-08:00

Filósofo y sociólogo francés cuya obra estuvo consagrada al análisis de la sociedad contemporánea. Nacido en Reims, tras doctorarse en Sociología fue profesor, desde 1966, en la Universidad de Nanterre (Universidad de París X). Más tarde ingresó en el Instituto de Investigación Social, laboratorio del Centre National de la Recherche Scientifique (CNRS, Centro Nacional de Investigación Científica). Traductor al francés de Bertolt Brecht, en su primera gran obra original, El sistema de los objetos (1968), trató de aplicar los conceptos surgidos de la lingüística de Ferdinand de Saussure a las teorías económicas y políticas de Karl Marx, analizando el valor de cambio como significante y el valor de uso como significado. Prosiguió sus investigaciones en La sociedad de consumo (1970), texto también marcado por la influencia del estructuralismo, movimiento que abordó el estudio del consumo en términos de "lenguaje social", que tiende a exacerbar los deseos de los consumidores y no a satisfacer sus necesidades. En Estrategias fatales (1983) afirmaba que la violencia, la miseria y la ignorancia no han desaparecido de la sociedad contemporánea, sino que forman parte de su realidad cotidiana aunque los individuos terminen por no percibirla; las "estrategias fatales" que menciona consisten en el apaciguamiento de toda rebelión por medio de la amplificación de sus aspectos negativos, que parecen desde entonces ineluctables. Según Baudrillard, el mundo contemporáneo se caracteriza por un proceso de desmaterialización de la realidad: la mirada del hombre ya no se dirige hacia la naturaleza, sino hacia las pantallas de televisión; la comunicación se ha convertido en un fin en sí misma y en un valor absoluto. Los mitos han sido desplazados, como afirmaba en América (1986), y el exceso de información dificulta la búsqueda del sentido. El "drama de la alienación", que bajo el impulso de movimientos de tipo marxista había animado la sociedad a principios del siglo XX, ha sido sustituido, como argumentaba en Otro por sí mismo (1987), por una ideología centrada en el éxtasis de la comunicación. Después de la ebriedad del progreso y del crecimiento, apuntaba Baudrillard en La transparencia del mal (1990), la sociedad intenta dotarse de una nueva imagen de sí misma. En Contraseñas (2002), su última publicación, apunta dieciséis conceptos clave en los que el autor sintetiza toda su obra.

De la modernidad a la hipermodernidad en las sociedades desarrolladas

2011-12-13T12:05:00.000-08:00

Gilles Lipovetsky: La felicidad paradójica.

El eje central de la obra de Gilles Lipovetsky (1944) es el análisis del paso de la modernidad a la hipermodernidad en las sociedades desarrolladas. Francés de origen polaco, es profesor agregado de filosofía en la Universidad de Grenoble. En 1983 publicó La era del vacío, un texto en el que ya están puestos los cimientos de su visión de la sociedad actual. En él articula los grandes conceptos que le han proporcionado una reputación intelectual bien ganada: proceso de personalización, destrucción de las estructuras colectivas de sentido, hedonismo, consumismo, tensiones paradójicas en los individuos y en la sociedad civil, la seducción como forma de regulación social, rechazo de la violencia política y aumento de la consideración ciudadana de los valores esenciales de la democracia. La aparición en 1987 de El imperio de lo efímero convirtió a Lipovetsky en un intelectual globalizado con una inmensa capacidad de convocatoria.

Cuando Lyotard acuña el concepto de ‘postmodernidad’ a finales de los años setenta y escribe que ya “se han acabado los grandes relatos”, se palpa en las sociedades desarrolladas de todo el mundo una potente sensación de liberación. El “narciso” cool, individualista y consumista que tan bien retrata Lipovetsky en La era del vacío y El imperio de lo efímero es un ser optimista en su gozo, un individuo que vive el presente, olvidado del pasado y sin preocupación por el futuro. Veinte años después, esa euforia de los años postmodernos ya no es la misma. En Los tiempos hipermodernos, Lipovetsky advierte al lector del fin de la euforia. El hedonismo del presente que caracterizó los años ochenta –la movida madrileña constituye una magnífica ilustración- ya no existe. En la hipermodernidad, el desempleo, la preocupación por la salud, las crisis económicas y un largo sinfín de virus que provocan ansiedad individual y colectiva se han introducido en el cuerpo social.

Para Lipovetsky el desarrollo de la globalización y de la sociedad de mercado ha producido en estos años nuevas formas de pobreza, marginación, precarización del trabajo y un considerable aumento de temores e inquietudes de todo tipo. Sin embargo, la sociedad hipermoderna no ha supuesto la aniquilación de los valores. Al contrario, el hedonismo ya no estimula tanto, la extrema derecha no ha tomado el poder y el conjunto de la sociedad no ha caído en desviaciones xenófobas y nacionalistas. La dinámica de la individualización personal no ha supuesto que la democracia pierda firmeza o se aleje de sus principios humanistas y plurales. Los derechos humanos siguen constituyendo uno de los principios morales básicos de la democracia. La dinámica del individualismo refuerza, en opinión de Lipovetsky, la identificación con el otro. El culto al bienestar conduce, aunque parezca paradójico, a que los individuos sean más sensibles al sufrimiento.

La producción de bienes se centra en las personas, como es el caso del teléfono móvil. Las culturas de clase se erosionan, se hacen menos legibles y la pertenencia a un grupo social no determina ya los modos de consumo

En la sociedad hipermoderna el peligro no viene por algo que precisamente la caracteriza, lo que Lipovetsky denomina hiperconsumo. “Cuanto más se impone la comercialización de la vida, más celebramos los derechos humanos. Al mismo tiempo, el voluntariado, el amor y la amistad son valores que se perpetúan e incluso se fortalecen”. El peligro viene para Lipovetsky de otra parte. Procede de lo que él denomina una inquietante fragilización y desestabilización emocional de los individuos. La debilidad de cada uno de nosotros tendría su origen en el hecho de que cada vez estamos menos pertrechados para soportar las desgracias de la existencia, y ello no porque el culto al éxito o al consumo provoque esa fragilidad, sino porque las grandes instituciones sociales han dejado de proporcionar la sólida armazón estructuradora de antaño. De ahí vendría la ola de trastornos psicosomáticos, depresiones y demás angustias con las que las distintas industrias que producen psicofármacos se enriquecen.

En la arquitectura de La felicidad paradójica, cuyo subtítulo es enormemente significativo –Ensayo sobre la sociedad de hiperconsumo-, se entra con la aparición de un nuevo arquetipo social, el hiperconsumidor, un ser que ya no desea sólo el bienestar, lo que ahora anhela es armonía, sensación de plenitud, felicidad y sabiduría. Dicho hiperconsumidor es la consecuencia, según Lipovetsky, del desarrollo de las tres etapas a través de las cuales se despliega la sociedad contemporánea. La primera de ellas, comprendida entre 1880 y la Segunda Guerra Mundial, marca el inicio de la sociedad de consumo. Son los años de la producción a gran escala y de la puesta a punto de las máquinas de fabricación continua que producen bienes con vocación de durabilidad.

Para su desgracia, el hiperconsumidor se apoya tanto en sus emociones que éstas no acaban nunca de ser satisfechas, y la experiencia de la decepción asoma y amenaza a distintas capas de la sociedad

En torno a 1950 es cuando se inicia el nuevo ciclo histórico de las economías de consumo. En esta segunda etapa, la capacidad de producción aumenta tanto que se genera una mutación social que da lugar a la aparición de la sociedad de consumo de masas. Se abren supermercados, centros comerciales, hipermercados y, aunque de naturaleza básicamente fordista, el orden económico se rige ya en buena medida por los principios de la seducción y de lo efímero. En este período se vienen abajo las antiguas resistencias culturales y se expande la sociedad del deseo.

En la tercera etapa, la vida de las sociedades desarrolladas no hace sino acumular signos de placer y felicidad. En este estado de cosas la cultura del consumo promete felicidad y evasión de los problemas. La producción de bienes se centra en las personas, como es el caso del teléfono móvil. Las culturas de clase se erosionan, se hacen menos legibles y la pertenencia a un grupo social no determina ya los modos de consumo. Sin embargo –y ahí aparece la paradoja anunciada en el título de esta obra- el hiperconsumidor se vuelve desconfiado e infiel. Ya no sigue sólo a una marca, ahora entra en internet y compara, analiza, reflexiona y orienta sus deseos hacia lo que más le gratifica.

Para su desgracia, el hiperconsumidor se apoya tanto en sus emociones que éstas no acaban nunca de ser satisfechas, y la experiencia de la decepción asoma (del análisis de la decepción se ocupó el siguiente libro de Lipovetsky aparecido en Francia --La société de déception (2006)-- que será próximamente traducido) y amenaza a distintas capas de la sociedad. Jóvenes violentos, ancianos desprotegidos o inmigrantes son colectivos sobre los que el autor reflexiona. Desde este análisis y desde los excesos del hedonismo del capitalismo de consumo, Lipovetsky se atreve a predecir una mutación cultural que ha de revisar la importancia de los goces inmediatos y contener el frenesí consumista.

Gilles Lipovetsky 1944

2011-12-12T11:33:00.002-08:00

(París, 1944) Filósofo francés. Profesor de Filosofía en la Universidad de Grenoble, en 1983 publicó su obra principal, La era del vacío, que versaba sobre lo efímero y lo frívolo. En el momento de su aparición, el ensayo fue acogido en Francia con una fuerte polémica, aunque ciertos sectores lo saludaron como una especie de lema o paradigma que reflejaba a la perfección el mundo contemporáneo, visto como pura evanescencia.

La tesis principal defendida por Lipovetsky es que el filósofo tradicional ha permanecido demasiado tiempo encadenado a formas irreales y apartado de la realidad cotidiana de su propio tiempo, al modo del prisionero platónico, razón por la cual se ha apartado de los intereses vitales de una sociedad caracterizada por la cultura de masas. En oposición a esta tendencia escapista, Lipovetsky propone volver los ojos a la realidad concreta, es decir, al estudio de los fenómenos masivos y efímeros propios de la era contemporánea.

En su segundo trabajo, El imperio de los efímero. La moda y su destino en las sociedades modernas, publicado en 1987, Lipovetsky llevó a cabo un amplio estudio sobre la moda, enfocado desde una perspectiva histórica, en el que intentó explicar la influencia de los cambios en los gustos de la moda en el sentido de la tolerancia y el relativismo en los valores, factores dominantes del individualismo del presente.

The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

2011-12-11T03:38:00.000-08:00

Corinna Schnitt

2011-12-10T05:06:00.000-08:00

La artista alemana Corinna Schnitt, excelente observadora y analista social cuyos trabajos destacan tanto por su calidad formal como por moverse sobre la finísima línea divisoria entre realidad y ficción.

PS3 Eggs

2011-12-09T14:25:00.000-08:00

Devolver a la forma estética su capacidad política!

2011-12-02T16:46:00.000-08:00

Thomas Alva Edison

2011-12-02T16:44:00.000-08:00

"los que aseguran que es imposible,nodeberían interrumpir a los que estamos intentándolo"

Duchambike

2011-11-17T17:10:00.001-08:00

Pierre Soulages 1926

2011-10-26T06:36:00.000-07:00

El Tachismo (en idioma español, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Pertenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). También se conoce el Tachisme (similar a la action painting) como abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo.

Jardín Zen

2011-10-25T11:41:00.000-07:00

Mihály Csikszentmihályi 1934

2011-10-25T11:20:00.000-07:00

Mihály Csíkszentmihályi es profesor de psicología en la Universidad de Claremont (California) y fue jefe del departamento de psicología en la Universidad de Chicago y del departamento de sociología y antropología en la Universidad Lake Forest. Ha destacado por su trabajo acerca de la felicidad, la creatividad, el bienestar subjetivo y la diversión, pero es más famoso por su creación de la idea de flujo y por el trabajo que ha realizado durante mucho tiempo acerca de ese tema. Ha escrito muchos libros y más de 120 artículos o capítulos. Martin Seligman, quien fuese presidente de la Asociación Psicológica Norteamericana, describió a Csikszentmihalyi como el más importante investigador del mundo en el tema de la psicología positiva. Es uno de los psicólogos más citados hoy en día en campos diversos de la psicología y los negocios.

Fin de la globalización ?

2011-10-21T18:09:00.000-07:00

Globalización vs indignación

2011-10-21T17:00:00.000-07:00

Cost of living frag.avi

2011-10-18T17:36:00.000-07:00

Ryan Gander

2011-10-16T08:50:00.000-07:00

No es fácil situar a Ryan Gander en una generación concreta. Nació en Chester en 1976 pero tal fue su precocidad que hoy nos parece raro que pertenezca a la misma generación que otros artistas británicos como Lucy Skaer o Nathaniel Mellors. Y es que su irrupción en el escenario artístico británico y europeo (estudió en Holanda) tuvo lugar en torno al cambio de siglo y ya se había convertido en una referencia internacional sin haber llegado a la treintena. Gander ocupa ahora un lugar privilegiado. Trabaja con galerías extraordinarias como Lisson en Londres, Annet Gelink en Amsterdam o Tanya Bonakdar en Nueva York, y ha realizado exposiciones en los centros más interesantes del mundo. Su trabajo es poliédrico y cautivador. Su obra enraiza en el arte conceptual y en la trama de lo moderno, que desgrana con intensidad y precisión. Es lúdico y literario, intelectual y magnético. Su participación en la actual Bienal de Venecia es una buena metáfora para acercarnos a su quehacer, pues cuenta con cuatro o cinco piezas de muy diferente índole. Parece, pues, cierto que para describir el trabajo de Ryan Gander se requiere un mayor número de piezas que las que se necesitan en el caso de muchos otros artistas. Hablamos de un creador incansable.

Su último trabajo se ha revelado esta semana en Londres. Se trata de una gran intervención en una nave en el este de la ciudad, donde se concentra buena parte de la actividad artística de la capital británica. Ha sido auspiciado por Artangel, la organización creada por James Lingwood y Michael Morris en 1991 que ha producido algunos proyectos memorables (¿quién no recuerda el mítico House, de Rachel Whiteread o The Battle of Orgreave de Jeremy Deller?). Bajo el título Locked Room Scenario, Gander propone un gran espacio en la tradición del white-cube en el que el visitante se sume en un ambiente enrarecido y enigmático. Supuestamente asistimos a una exposición colectiva de la que no sabemos gran cosa. La integran artistas en teoría minimalistas y conceptuales cuyos nombres ignoramos. En la entrada al espacio (se entra de ocho en ocho personas) hay dos chavales sentados conversando, y hay otros actores que pululan acercándose a los visitantes y entorpecen su recorrido. Pero no lo hacen en un sentido físico sino mental. A pesar de la claridad formal del espacio es fácil sentirse completamente perdido. Uno camina abriendo y cerrando puertas tratando de elaborar una interpretación de lo que sucede pero las posibilidades de que ocurra algo que desbarate toda clarividencia son altísimas. Gander encierra al espectador en un asfixiante juego de realidad y ficción que es muy común en el conjunto de su trabajo.

Es un tipo de instalación inmersiva que recuerda a la realizada por otros artistas de los que recientemente hemos hablado en este sitio: Elmgreen y Dragset. El tándem nórdico presentó en la Bienal de Venecia de 2009 una gran instalación titulada The Collectors en la que se detenían ante la ambición social y material de las élites. Pero Gander es más esquivo. La suya no es una actitud crítica sino una necesidad de que repensemos nuestro papel de espectadores a partir de situaciones deslizantes y bizarras. Hay pasillos con cristales esmerilados que solo dejan intuir lo que ocurre al otro lado. Es otra buena metáfora del conjunto del proyecto, pues todo lo que se ve a través del cristal son sólo sombras. La confusión es total. Se oyen voces cuya procedencia desconocemos, aparecen personajes que nos dan hojas de papel con textos en ellas escritos, y hasta nos entran dudas sobre si el amigo con quien vinimos es real o se ha convertido en un personaje de ficción que sólo quiere trabar nuestra experiencia. La lectura es que nada es necesariamente lo que parece, si es que las apariencias tienen algún valor.

Locked Room Scenario, RyanGander en su más nítida expresión. Curiosamente este título es razonablemente directo. Lo habitual es que los títulos de los trabajos sean leyendas bien armadas y de rotundo contenido literario. Es desde el título mismo como Gander predispone al espectador ante los enredos conceptuales que propone.

Richard Wentworth

2011-10-16T08:38:00.000-07:00

Richard Wenworth es uno de los escultores ingleses más importantes de los últimos 30 años. El artista, que miembro de la New British Sculpture (escuela a la que pertenecen también otros artistas que han expuesto en el CAC como Tony Cragg o Anish Kapoor) y profesor influyente para muchos de los Young British Artists de la siguiente generación, presenta por su primera exposición en solitario en Nueva York en 20 años hasta el próximo 30 de octubre.

La poco convencional poesía visual Richard Wentworth es construida a partir de materiales de la vida cotidiana. Mediante el empleo de la fotografía y la escultura en sus instalaciones, Wentworth hace que reconsideremos la función y el significado de los objetos ordinarios que nos rodean día a día. El artista ha utilizado para esta exposición de la Galería Peter Freeman de Nueva York elementos tan variados como envolturas de dulces, platos, escaleras de mano…

Es sumamente extraño pensar que este árbol debería seguir estando cuando no hay nadie en el patio

2011-10-09T09:54:00.000-07:00

Jimmie Durham

2011-10-09T09:07:00.000-07:00

Nada puede entender el hombre sin las imagenes y las imagenes son fantasmas.

"Nihil potest homo intelligere sine phantasmate"

Santo Tomás de Aquino

Transtextualidad

2011-10-08T14:56:00.000-07:00

Transtextualidad

…que puede ser clasificada en cinco tipos:

intertextualidad
paratextualidad
metatextualidad
hipertextualidad
architextualidad

http://retorica.librodenotas.com/Recursos-estilisticos-semanticos/transtextualidad

Intertextualidad

...relación de copresencia que un texto mantiene con otro:cita,plagio o alusión.

http://retorica.librodenotas.com/Recursos-estilisticos-semanticos/intertextualidad

Paratextualidad

...relación que un texto mantiene con otro texto de su periferia:título,subtítulo,prólogo,epilogo,notas al marge,borradores,desechados,sobrecubiertos

http://retorica.librodenotas.com/Recursos-estilisticos-semanticos/paratextualidad

Metatextualidad

...relación que un texto mantiene con otro que habla de él

http://retorica.librodenotas.com/Recursos-estilisticos-semanticos/metatextualidad

Bibliografía …1982. Martínez Fernández, José Enrique, La intertextualidad literaria (Base teórica y práctica textual). …http://retorica.librodenotas.com/Bibliografia/bibliografia

Steve Jobs 1955-2011

2011-10-08T13:02:00.000-07:00

Richard Hamilton 1922-2011

2011-09-22T19:13:00.000-07:00

Robert J. Flaherty

2011-09-21T13:58:00.001-07:00

Italo Calvino 1923-1985 "Le cittá invisibili"

2011-09-10T16:00:00.000-07:00

En los años sesenta, Calvino se apunta a una nueva manera de hacer literatura, entendida ya como artificio, ya como un juego combinatorio. A su entender, hay que hacer visible la estructura de la narración para el lector y así aumentar su complicidad. Es en esta época cuando Calvino se acerca a una clase de escritura que podría ser definida como combinatoria porque el mismo mecanismo que permite escribir asume un papel central en el interior de la obra. Calvino, de hecho, se ha convencido de que el universo lingüístico ha suplantado a la realidad y concibe la novela como un mecanismo que juega con las posibles combinaciones de las palabras. A pesar de que este aspecto puede ser considerado como el más cercano a la neo-vanguardia, Calvino se distancia de ella tanto por su estilo como por su lenguaje, extremadamente compresibles ambos.
Esta nueva concepción de Calvino es fruto de numerosas influencias: el estructuralismo y la semiología, las lecciones impartidas por Roland Barthes sobre el ars combinatoria, el acercamiento al Oulipo de Raymond Queneau, la escritura laberíntica de Jorge Luis Borges, además de la relectura del Tristram Shandy de Laurence Sterne a quien definirá como el padre de todas la novelas de vanguardia de nuestro siglo.

Boris Mikhailov 1938

2011-09-08T19:54:00.001-07:00

http://jmsuarez.es/fotografia/579/boris-mikhailov/

Boris Andreïevitch Mikhaïlov, 25 de agosto de 1938 es un fotógrafo ucraniano.

Estudió ingeniería por lo que comenzó ejerciendo de ingeniero, sin embargo, se interesó por la fotografía aprendiéndola de un modo autodidacta y con 28 años realizó sus primeras fotos, dedicándose a producir fotografías. Tuvo que abandonar su trabajo de ingeniero al considerar la KGB como pornografía unas fotografías que había realizado de su mujer desnuda, por tanto desde finales de la década de los sesenta se dedicó de modo exclusivo a la fotografía.

Su obra se encuentra próxima a una fotografía conceptual opuesta al realismo socialista que existía en la Unión Soviética; en sus series ha empleado escenificaciones, fotografías coloreadas o imágenes antiguas con un tratamiento nuevo. Entre 1968 y 1975 realizó una serie fotográfica conocida como la "Serie Roja" en la que utilizaba de modo predominante el color rojo al fotografiar a las personas y la vida en la ciudad de Járkov.

Entre 1971 y 1985 realizó una serie llamada Luriki que eran retratos de personas coloreados a mano en su mayor parte. En 1980 hizo una serie titulada Salt Lake en la que recogía fotografías de personas bañándose en una zona de vertidos industriales, realizada en blanco y negro con algunas viradas al sepia. En 1982 la serie Viscidity que eran fotos en blanco y negro que incorporaban textos. En 1993 la serie At Dusk evoca la evacuación durante la Segunda Guerra Mundial aunque recoge la vida de las personas humildes en Ucrania a finales del siglo XX; las fotografías están realizadas con un viraje en azul. En 1999 la serie Case History trata sobre la vida de las personas sin hogar.

En 1997 recibió el Premio Albert Renger-Patzsch y en el año 2000 el Premio internacional de la Fundación Hasselblad, al año siguiente el Premio Citibank y el Premio Krazna Krausz al mejor libro.

Miroslav Tichý 1926-2011

2011-09-04T15:28:00.000-07:00

Pablo Bronstein

2011-09-03T09:35:00.000-07:00

El ICA se encuentra en un ala del famoso Carlton House Terrace, obra de John Nash, uno de los más claros exponentes de la arquitectura británica durante el periodo de la Regencia. Construido en la década de los treinta del siglo XIX, apenas un par de años antes de la muerte de Nash, constituye aún hoy uno de los lugares señeros de las artes en Gran Bretaña. Pablo Bronstein, artista argentino nacido en 1977 y residente en Londres, inaugura hoy una ambiciosa exposición individual que ocupará todo el espacio del ICA a partir de su poderoso y conocido sentido escenográfico y su inclinación hacia la fusión de diferentes formas temporales y motivos arquitectónicos.

El trabajo de Bronstein, que proviene de la inagotable cantera de Central Saint Martins, es conocido en España desde que el pasado otoño participara en la pasada Manifesta. Los que asistieran a la cita murciana recordarán un espacio en la segunda planta de la antigua oficina de Correos y Telégrafos en la que el argentino presentaba una serie de dibujos que se detenían ante el pasado árabe de España. Claramente reveladores de su trabajo, los dibujos estaban muy bien traídos toda vez que la ambición primera de Manifesta era crear vínculos supuestamente firmes entre Europa y el Norte de África, una sana pretensión inicial no satisfecha por el resultado final del proyecto. Los dibujos de Bronstein mostraban arquitecturas híbridas, en las que toda distancia temporal quedaba eliminada.

Peter Hutton

2011-08-23T10:08:00.000-07:00

José Luis Borges

2011-08-13T07:45:00.000-07:00

"Antes, el mundo exterior interfería demasiado", me decía este intelectual argentino de 62 años ayer en Nueva York. "Ahora, todo el mundo está en mi interior. Y veo mejor, porque puedo ver todas las cosas que sueño. Fue una ceguera gradual, nada trágica", continuó. "Si uno se queda ciego de pronto, el mundo se le hace añicos. Pero si primero pasa por un crepúsculo, el tiempo fluye de manera diferente. No es preciso hacer nada. Uno puede quedarse sentado. Las personas ciegas tienen mucha dulzura. Las sordas, en cambio, no. Las personas sordas son muy impacientes. A veces, la gente se ríe de los sordos. Nadie se ríe de un ciego".

Xenakis 1922-2001

2011-08-05T21:15:00.000-07:00

(Γιάννης Ξενάκης, también transliterado en francés como Yannis Xénakis), fue un compositor y arquitecto de ascendencia griega nacido el 29 de mayo de 1922 en Brăila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001. Es aclamado como uno de los compositores más importantes de la música contemporánea.

Isaac Newton (1642-1727)Francis Bacon (1561-1626) René Descartes (1596-1650)

2011-08-05T07:29:00.000-07:00

La Ilustración concebía desde luego al hombre en su unidad con la naturaleza con la cual compartía la general uniformidad de composición que habían descubierto las ciencias naturales bajo la presión de Bacon y la guía de Newton. Según esto, la naturaleza humana está tan regularmente organizada, es tan invariable y tan maravillosamente simple como el universo de Newton. Quizás algunas de sus leyes sean diferentes, pero hay leyes; quizás algo de su carácter inmutable quede oscurecido por los aderezos de modas locales, pero la naturaleza humana es inmutable.

Artemisa absinthium

2011-08-05T07:26:00.000-07:00

Absenta/ajenjo

“Después del primer vaso, uno ve las cosas como le gustaría que fuesen. Después del segundo, uno ve cosas que no existen. Finalmente uno acaba viendo las cosas tal como son, y eso es lo más horrible que puede ocurrir”.

The Way Things Go

2011-08-01T21:20:00.000-07:00

Powerplant Live 2005 (Kraftwerk, Steve Reich)

2011-07-27T10:44:00.000-07:00

Vic Chesnutt - Cobbham Blues

2011-07-26T20:29:00.000-07:00

Lucian Freud 1922-2011

2011-07-26T20:03:00.000-07:00

Minus 16 | Ohad Naharin | Nederlands Dans Theater ll

2011-07-06T06:14:00.000-07:00

Joseph Cornell 1903-1972

2011-07-06T05:17:00.000-07:00

Joseph Cornell fue un artista y escultor norteamericano, uno de los pioneros y exponentes más destacados del denominado arte de assemblage. Recibió influencias de los surrealistas, además fue un cineasta experimental vanguardista.Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro de ellas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo. Muchas de sus cajas, tales como la famosa caja Medici Slot Machine, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.

Joris Ivens 1898-1989

2011-06-28T15:47:00.000-07:00

Realizador holandés nacido el 18 noviembre de 1898 en Nimega, Países Bajos y murió el 28 de junio de 1989 en París.
Sigue el curso de la escuela de economía de Róterdam. Fue influenciado por las obras de Dziga Vertov, Eisenstein y Robert Flaherty. Respondiendo a una invitación de Vselovod Poudovkine, él hizo una gira de varios meses en Unión Soviética donde presentó sus películas.

En 1933,con el director Henri Storck dirigió un documental activista « Miseria al Borinage» denunciado la miseria de los mineros y el salvajismo de la explotación proletaria. Este documental fue prohibido durante varios años.

Gran nombre del documental apodado «el holandés volador», teniendo una mirada a veces militante sobre el desarrollo y sus desigualdades, dedicó sus últimas películas a la China.

Desde 1990, hay una fundación Joris Ivens en Nimega. Joris Ivens fue galardonado del premio de la Paz Internacional en 1954 y el Premio Lenin en 1968.

Se casó con la cineasta Marceline Loridan-Ivens, su colaboradora en muchas de sus obras. Está enterado en el cementerio Montparnasse.

Arracional

2011-06-27T18:41:00.000-07:00

nothing will be as before

2011-06-18T16:51:00.000-07:00

Ricardo sobre Jacoby en el Reina Sofía

2011-06-18T13:39:00.000-07:00

Donald Judd 2011

2011-06-11T04:43:00.000-07:00

Perú 5 de junio 2011

2011-06-05T09:11:00.000-07:00

Vaslav Nijinskye 1890-1950

2011-06-05T08:39:00.000-07:00

Cornelius Cardew 1936-1981

2011-05-17T17:01:00.000-07:00

Cardew nació en Winchcombe (Gloucestershire), siendo el segundo de los tres hijos de alfarero Michael Cardew. La familia se mudó a Wenford Bridge (Cornualles) poco después del nacimiento de Cornelius. Allí, asistió a la Canterbury Cathedral School, la cual fue evacuada durante la Segunda Guerra Mundial debido a los bombardeos enemigos. Entre 1953 y 1957, estudió piano, violonchelo y composición en la Royal Academy of Music en Londres. En 1957, participó en el estreno británico de la pieza de Pierre Boulez Le marteau sans maître. Cardew obtuvo una beca para estudiar en el Estudio de Música Electroacústica en Colonia, en donde fue asistente de Karlheinz Stockhausen entre 1958 y 1960. La mayoría de sus composiciones de este periodo fueron escritas utilizando lenguajes totalmente seriales desarrollados por Boulez y Stockhausen.

En 1958, Cardew asistió a una serie de conciertos de John Cage y David Tudor en Colonia, lo que lo llevó a abandonar la composición serial y empezó a desarrollar composiciones experimentales. A partir de los años 1960, ayudó a introducir al Reino Unido las obras de varios compositores vanguardistas estadounidenses como Morton Feldman, La Monte Young, Earle Brown y Christian Wolff.

Las composiciones más conocidas del periodo vanguardista de Cardew son Treatise, una partitura gráfica de 193 páginas, y The Great Learning, una composición en siete partes basada en las traducciones de Confucio por Ezra Pound.

En 1966, Cardew se unió al grupo de improvisación libre AMM, el cual se había formado el año anterior y del cual eran miembros Lou Gare, Eddie Prévost, Keith Rowe y Christopher Hobbs.

Mientras enseñaba una clase de música experimental en el Morley College, Cardew, junto a Howard Skempton y Michael Parsons, formó la Scratch Orchestra, una banda experimental creada inicialmente con el propósito de interpretar The Great Learning. La agrupación realizó presentaciones alrededor del Reino Unido y en el extranjero hasta que se separó en 1972.
http://youtu.be/5EAEx3e-bKk

Isidoro Valcarcel Medina 1938

2011-05-15T15:08:00.001-07:00

Isidoro Valcárcel Medina fue invitado por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) a participar en la exposición que desplegaba la colección del museo. El artista murciano, que este año cumple 70, aceptó con una propuesta peculiar. Durante nueve días estuvo pintando de blanco un muro blanco. Lo hizo con un pincel del número 8, es decir, de los que se usan para las acuarelas. "No me importa estar en un museo", explica en su casa de Madrid, un apartamento mínimo e impoluto, "pero quiero estar a mi manera, no almidonado en los sótanos. Mi forma de estar en una colección es hacer algo que no se pueda coleccionar".
Aunque hace tiempo que las actitudes radicales de los sesenta se convirtieron en aquello que denunciaban -mercancía-, Valcárcel Medina sigue fiel al espíritu que lo convirtió en un pionero del arte conceptual en España. Hoy es un mito. Durante el pasado Congreso de la Lengua, participó en una colectiva en Cartagena de Indias. Muchos de los que exponían con él podrían ser sus nietos. Lo consideraban un clásico. "Será por la edad", dice él. El artista, presente en Teatro sin teatro -la gran exposición que puede verse en el Macba hasta el 11 de septiembre-, imparte además este año un taller en el Espai d'Art Contemporani de Castellón. Pero no quiere oír hablar de sí mismo como maestro: "El arte se puede aprender, pero no enseñar. Sólo cuenta el testimonio personal. Para mí, el arte es la vida, una actitud, ser consciente de lo que quieres. Y de lo que no".
Valcárcel, en efecto, nunca ha sido un artista cómodo. En 1996, el Reina Sofía, dirigido entonces por José Guirao, lo invitó a presentar un proyecto. Él, de nuevo, aceptó. Y de nuevo con una condición: para ejecutar su obra necesitaba los presupuestos reales -montajes, catálogos, transportes, seguros- de las últimas muestras realizadas en el museo madrileño. El Reina se negó a facilitarle esa información, que él consideraba de dominio público. Así empezó una particular performance que llevó al artista hasta el Defensor del Pueblo -que le dio la razón- después de reclamar ante el Ministerio de Cultura y el Congreso de los Diputados. Ni qué decir tiene que la exposición, que hubiera colocado a Valcárcel Medina en el candelero, nunca se llevó a cabo. Para él, la obra resultante es la kafkiana correspondencia que mantuvo con todas las instancias interpeladas. No era la primera vez que el artista chocaba con una institución. Cuando una fundación, cuyo nombre no quiere revelar, le propuso exponer, él presentó un presupuesto que fue rechazado: seis euros. "Me dijeron que creaba un mal precedente no por ser caro, sino por ser barato".
Valcárcel Medina no ha vendido jamás una obra. Durante años vivió de rehabilitar casas. Con todo, él no renuncia a que le paguen, "pero un precio digno, no precio de artista". Por eso cobró lo que hubiera cobrado un pintor de brocha gorda por pintar aquel muro del Macba: 900 euros. "Parece", apostilla, "que uno tiene un estatus y ya no puede ir de pintor de brocha gorda. Vale, pues voy con un pincel fino". Para él, "el arte está supersobrevalorado". Por eso le parece "un caso maravilloso" la desaparición de la escultura de Richard Serra, de 38 toneladas, perteneciente a la colección del Reina Sofía: "La obra de arte es robar esa escultura, no hacerla".
La conversación termina desembocando en una pregunta: ¿es más difícil escapar a la persecución o al halago? "Ahora, el poder lo asume todo, lo paga y lo archiva para la tranquilidad general. Es más difícil escapar del dinero que de la policía. Hay profesionales de la protesta que medran y progresan. Antes, si escribías en una pancarta 'Franco es feo' ibas a comisaría. Hoy si escribes 'El alcalde es feo' el Ayuntamiento te compra el cartel". Con todo, siempre hay resquicios, el poder no lo asimila todo: "Es cierto, el Reina Sofía no asimila que se le pidan las cuentas. A los artistas les exijo un plus de responsabilidad. Deberían pensar: si todo lo que hago me lo compran, ¿qué puedo hacer que no me compren, para que no me cacen?". Y recuerda su experiencia: "Una vez me llevaron a Canarias y me metieron en una habitación de hotel con dos duchas y cinco televisores. Pensé: mi obligación es evitar que me vuelvan a meter en una habitación así".

Luke Fowler 1978

2011-05-15T12:20:00.001-07:00

Luke Fowler & Cornelius Cardew

2011-05-15T10:37:00.000-07:00

Sus ojos apenas se han centrado en la cabeza despeinada del compositor Cornelius Cardew, cuando la imagen en la pantalla se disuelve en imágenes de hojas de invierno que skitters dentro y fuera de foco. recortes de prensa acerca de la muerte temprana Cardew (en un accidente de carretera y de gestión) se presentan flotando en el espacio como elementos de alguna instalación de esculturas en miniatura.
Esta es la película documental de decisiones de acuerdo a Lucas Fowler, uno de los mejores nombres del arte contemporáneo británico, ganador del primer Premio Derek Jarman para la película artista de políticas, cuya primera gran retrospectiva ha abierto en la Serpentine Gallery en Londres. En la película más conocida de Fowler, la peregrinación entre puntos dispersos, que cuenta la historia de Inglés compositor Cornelius Cardew, las entrevistas se presentan deliberadamente fuera de sincronía, los sujetos aparecen de repente al revés, intercaladas con imágenes aparentemente al azar.
"La gente en Gran Bretaña puede manejar la pintura modernista, como se puede ver en la reacción a la Rothko", dice Fowler. "Pero tienen un problema real con cualquier tipo de abstracción en el cine."
Fowler, de 31 años, emergió de la escena de arte de Glasgow, un mundo donde el arte visual de la película, y la música interactúa con una libertad que sería imposible en una ciudad grande como Londres. Sus películas densamente en capas son retratos de personas difíciles, a menudo marginales.
El tema que mejor representa su enfoque es Cornelius Cardew. El próximo Gran Bretaña llegó a producir una figura de John Cage, Cardew (nacido en 1936) dio la espalda a la vanguardia cuando abrazado el maoísmo, tratando de poner su música al servicio de la clase obrera, antes de ser asesinado en un golpe y plazo accidente de coche en 1981.
Fowler se ve en el impacto Cardew en la Orquesta Scratch, un grupo de músicos sin formación que incluía a compositores como Brian Eno y Gavin Bryars. El hecho de que, tal como se presenta en la película, Cardew nunca cohesiona como un individuo refleja el patetismo de un hombre que nunca estuvo cómodo, ya sea como vanguardista o revolucionario.
"La película trata de entablar una conversación con el público", dice Fowler. "Plantea cuestiones. Hago películas para las personas que están dispuestos a entrar en una relación más profunda con la película y su tema".
Al igual que gran parte del arte de los últimos 20 años, las películas de Fowler revisar y volver a empaquetar las ideas de las décadas anteriores, en su caso, el cine estructuralista y políticamente comprometidas del documental de los años setenta y ochenta. Sin embargo, él está dispuesto a despedir a la sugerencia de que su acercamiento al pasado es nostalgia.
"Mis películas no son un viaje sentimental a una época cuando el arte es política", dice. "Usted sólo tiene que mirar en la respuesta represiva de las autoridades a las protestas del G-20 para ver que estas cosas son más pertinentes que nunca."
En estos tiempos cada vez más despolitizada, cuando la palabra ideología tiene un anillo casi pintoresca, es refrescante escuchar una charla persona relativamente joven en términos de la vieja escuela. Pero entonces el mundo de Fowler-view se formó en su casa en un hogar académica: su padre le enseñó ciencias políticas en la Universidad de Glasgow, su sociología madre. La teoría es en su sangre.
¿No piensa en rebelarse al convertirse en un banquero? "Me rebelé por querer ser más intuitivo y menos teórica." Su tono suena casi inocente, y mi sugerencia de que su película Cardew se vuelve más coherente en la forma tradicional, ya que alcanza su clímax emocional le deja perplejo - como si se sugiere una falta de rigor.
¿Le parece irónico que él ya ha tenido más reconocimiento que cualquier Cardew o el radical cineastas cuya obra se basa en?
"Mi éxito - si eso es lo que es - probablemente sería repugnante para muchas de las personas que he representado", dice. "Pero si significa que hay hambre de películas que no ofrecen al público una salida fácil, que no las frecuentan la forma en la televisión tanto es así, entonces tal vez sea una buena cosa."

Jack Sarfatti

2011-05-15T07:36:00.001-07:00

Ernesto Sabato 1911-2011

2011-05-01T05:51:00.001-07:00

"La razón no sirve para la existencia", afirmaba. No quería que se le encasillara en ninguna tendencia literaria: "Tengo con la literatura la misma relación que puede tener un guerrillero con el ejército regular". Sabato afirmaba creer en el hombre, "a pesar de ser el animal más siniestro. "La vida es tan corta y el oficio de vivir tan difícil, que cuando uno empieza a aprenderlo, hay que morirse", se quejaba.

Charles Bukowski 1920-1994

2011-04-28T19:42:00.000-07:00

(alter ego Henri Hank Chinaski)
Vivir de cubos de basura

El viento sopla fuerte esta noche
Y es viento frío
Y pienso en los chicos
De la calle.
Espero que algunos tengan
Una botella de tinto.

Cuando estás en la calle
Es cuando te das cuenta de que
Todo
Tiene dueño
Y de que hay cerrojos en
Todo.
Así es como funciona la democracia:
Coges lo que puedes,
Intentas conservarlo
Y añadir algo
Si es posible.

Así es también como funciona
La dictadura
Sólo que una esclaviza
Y la otra destruye a sus
Desheredados.

Nosotros simplemente nos olvidamos
De los nuestros.

En cualquier caso
Es un viento
Fuerte
Y frío.

Literna mágica 1640

2011-04-23T16:52:00.000-07:00

http://dibujoanimado.blogspot.com/

Starling en Paris 2011

2011-04-23T16:32:00.001-07:00

Gerry Judah

2011-04-23T16:28:00.001-07:00

http://www.judah.co.uk/http://youtu.be/rYYlALAqdRE

Adele

2011-04-10T11:07:00.000-07:00

Jimmie Durham 1940

2011-04-09T12:45:00.000-07:00

Garth Weiser 1979 Montana

2011-04-03T07:08:00.000-07:00

Damian Ortega

2011-04-03T06:53:00.000-07:00

Damián Ortega crea malabares, literal y metaforicamente. Sus obras caminan precariamente al filo de la comicidad, del juego y de las cuestiones más profundas que plantea la esencia de la vida y de la existencia. Su arte desmonta y vuelve a montar máquinas y procesos habituales, para sugerir un continuo entre los components visibles de las máquinas inanimadas y la material invisible de la que está hecha la vida.

Jill Medvedow

Klara Liden 1979 Suecia

2011-04-02T11:27:00.000-07:00

Marcelo Cidade 1979 Brasil

2011-04-02T10:52:00.000-07:00

Quien ha pensado lo más hondo, ama lo más vivo.

Emre Hüner 1977 Turquía

2011-04-01T17:39:00.000-07:00

Martin Soto Climent 1977 Mexico

2011-04-01T12:50:00.000-07:00

"secreto"

Shilpa Grupta 1976 India

2011-03-31T17:48:00.000-07:00

Koen van den Broeck 1973

2011-03-31T17:30:00.000-07:00

La geometría de la vida y la lírica de nuestro movimiento al caminar nos suele pasar desapercibidas. Es, con la obra de algunos artistas que poseen una visión diferente y hermenéutica del mundo, cuando nos hacen sentir que lo que está a nuestro alrededor palpita, existe, forma juegos geométricos sencillamente bellos o sencillamente regulares…
Todas estas características están presentes en la obra del pintor belga Koen Van den Broek, uno de los pintores europeos punteros. Para esta ocasión sigue con la serie de lienzos que representan aspectos de, o bien de las calles, aceras, esquinas de edificios, o bien de otros motivos siempre geométricos.

El creador va sacando fotos por la calle. Luego, más tarde, en su estudio juega con ellas hasta encontrar un motivo original a copiar. Como bien puede ser la intersección de una línea pintada en la acera con una alcantarilla, etc…Todo ello, aunque pueda parecer simple, conforma una obra singular. Mezcla de lo poético con lo urbano y lo minimal pictórico con la baja cultura. Muchas de estas pinturas están divididas verticalmente con una línea muy fina, creando la sensación de estar ante las páginas de un libro abierto en el lienzo.
Con ocasión de la nueva exposición dentro de la galería White Cube de Londres ha presentado esta última obra que lo aleja levemente de sus pinturas tempranas. Apenas utiliza ya los sombreados y ha abandonado definitivamente lo figurativo. El modelo geométrico y ortogonal es lo que prima en la obra. Está más cerca de Dan Flavin que de Rothko.

Andrews

2011-03-31T17:10:00.000-07:00

Solo de William Forsyth

2011-03-30T20:06:00.000-07:00

13 lagos de James Benning

2011-03-30T19:36:00.000-07:00

El Lago Michigan, el Gran Lago Salado, el Lago Hiamna, el Lago Okeechobee, el Lago Pontchartrain, el Lago Rojo, el Lago Champlain, el Mar Salton, el Lago Powell, el Lago Winnebego, el Lago Flathead, el Lago Goose y el Lago Moosehead. Trece planos estáticos de diez minutos cada uno con la línea de horizonte dividiendo la pantalla en dos partes exactas, mitad agua, mitad cielo. No hay relato, no hay presencia humana directa, tan sólo un barco aquí o un tren allá; el único protagonista de la película es el paisaje. La que nos hace James Benning en 13 Lakes es una propuesta esencialmente contemplativa, sí, pero no basta con tener los ojos abiertos: hay que mirar y escuchar para comprender.

James Benning combina una intensa voluntad de analizar el valor de la imagen y la narrativa fílmica, con elementos mucho más íntimos y personales relacionados con su propia experiencia biográfica (de ahí el retrato incansable de los escenarios que ha conocido a lo largo de su vida) y con su concepción estética, incluso poética, del paisaje y de su contemplación, entendida como un ejercicio intelectual y emotivo. En sus películas nos obliga a mirar y a escuchar, consciente de que cualquier escena puede ser apasionante si le dedicamos la suficiente atención. Pero mirar y escuchar no es un entretenimiento intrascendente y banal. Para Benning mirar y escuchar es un acto político, pues la forma en que percibimos el mundo refleja inevitablemente nuestros prejuicios como individuos.

Jordan Wolfson 1979

2011-03-26T07:30:00.000-07:00

Otoño 2011

2011-03-23T19:11:00.000-07:00

Callan las cuerdas
la música sabía
lo que yo siento

Haiku de Jorge Luis Borges

Joseph Beuys: We are the Revolution/Die revolution sind wir

2011-03-23T08:12:00.000-07:00

Verano 2011

2011-03-14T05:26:00.000-07:00

Los procesos de tipo viscoso plasmático del viento solar, someten a las placas tectónicas a fuertes compresiones y distensiones en mayor o menor medida dependiendo de la densidad y la temperatura de la magnetosfera, y se transmiten de unas zonas a otras a través del manto, provocando tensiones añadidas a la dinámica de las placas tectónicas disparando procesos sísmicos en las zonas estresadas. Estos efectos sobre la litosfera son de diferente intensidad en función de la posición de la Tierra en la órbita alrededor del Sol.

Al recibir estos bruscos cambios de presión, las capas de la corteza terrestre se comportan como una cama elástica flotando sobre el manto líquido y, al ser nuestro planeta como una pelota, la zona que recibe esta presión añadida se hunde y provoca la elevación de otras placas por transferencia de energía a través del manto, en un mecanismo flexible. Si alguna de estas zonas sísmicas se encuentra sobreexcitada, este movimiento provocará en un breve plazo un seísmo de alta magnitud. Estos procesos de tipo viscoso impulsan flujos de plasma hacia la misma región en capas atmosféricas de baja latitud, que son atravesadas por líneas de campo magnético cerradas.

Impressing the Czar en tres actos

2011-02-05T20:48:00.000-08:00

Una creación de William Forsythe para el ballet de Frankfurt - 1988
Recreación en exclusiva para el ballet real de flandes - 2005
Impressing the Czar es un ballet en tres actos, sin acción, donde el ámbito narrativo cede espacio a la historia de la civilización occidental. Con una ironía elevada y espiritual, Forsythe nos ofrece la danza clásica de la corte del Zar, es decir, el mismo repertorio que casi en todos los teatros «oficiales» continúan prefiriendo.
En la primera parte, Potemkins Unterschrift (La firma de Potemkin), encadena con naturalidad una serie rica en referencias a las convenciones clásicas y pasa revista a la historia del arte y del ballet desde el Renacimiento hasta hoy.
Este legado cultural se hace patente en el tercer acto, La Maison de Mezzo- Prezzo.
El verdadero corazón de esta obra palpita entre los cuadros exuberantes del inicio y lo burlesco de la subasta, y es la danza refinada de In the Middle, Somewhat Elevated. Esta pieza ha dado renombre mundial a Forsythe. La creó para la Ópera de París, un escenario tan venerable como el del Teatro Mariinski de Sant Petersburgo.
En Bongo Bongo Nageela, Forsythe presenta una ambientación escolar acompañada de un sentido del humor ácido y de una danza agresiva y atávica que interpretan chicas vestidas con uniformes de escolares ingleses con una faldita plisada. Este momento conduce indefectiblemente a Mr. Pnut Goes to the Big Top, con una extraordinaria ejecución del final por parte del «maestro de los placeres», Mr. Pnut.

Teoría : Lo real, lo simbólico y lo imaginario

2011-01-20T03:36:00.000-08:00

Lo real
Aquí, lo "real" resulta ser un término bastante enigmático, y no debe ser equiparado con la realidad, puesto que nuestra realidad está construida simbólicamente; lo real, por el contrario, es un núcleo duro, algo traumático que no puede ser simbolizado (es decir, expresado con palabras). Lo real no tiene existencia positiva; sólo existe como obstruido.
No todo en la realidad puede ser desenmascarado como una ficción; sólo basta con tener presente ciertos aspectos -puntos indeterminados- que tienen que ver con antagonismo social, la vida, la muerte, y la sexualidad. A estos aspectos tenemos que enfrentarlos si hemos de querer simbolizarlos. Lo real no es ninguna especie de realidad detrás de la realidad, sino el vacío que deja a la realidad incompleta e inconsistente. Es la pantalla del fantasma; la propia pantalla en sí es la que distorsiona nuestra percepción de la realidad. La triada de lo simbólico/imaginario/real se reproduce dentro de cada parte individual de la subdivisión. Hay también tres modalidades de lo real:
El "real simbólico": el significante reducido a una fórmula sin sentido (como en física cuántica, que como toda ciencia parece arañar lo real pero sólo produce conceptos apenas comprensibles)
El "real real": una cosa horrible, aquello que transmite el sentido del terror en las películas de terror.
El "real imaginario": un algo insondable que permea las cosas como un trozo de lo sublime. Esta forma de lo real se vuelve perceptible en la película Full Monty, por ejemplo, en el hecho de que en el desnudo de los protagonistas desempleados, estos deben desnudarse por completo; en otras palabras, a través de este gesto extra de degradación "voluntaria", algo del orden de lo sublime se hace visible.
El psicoanálisis enseña que la realidad (postmoderna) precisamente no ha de ser vista como una narrativa, sino que el sujeto ha de reconocer, soportar y ficcionalizar el núcleo duro de lo real dentro de su propia ficción.
Lo simbólico
Lo simbólico se inaugura con la adquisición del lenguaje; es mutuamente relacional. Así, sucede aquello de que "un hombre sólo es rey porque sus súbditos se comportan ante él como un rey". Al mismo tiempo, siempre permanece una cierta distancia respecto a lo real (excepto en la paranoia): no sólo es loco un mendigo que piensa que es rey, lo es también aquel rey que verdaderamente cree que él es un rey. Puesto que efectivamente, este último sólo tiene el "mandato simbólico" de un rey.
El real simbólico es el significante reducido a una fórmula sin sentido.
El imaginario simbólico qua símbolos jungianos
El simbólico simbólico qua el habla y el lenguaje con sentido en sí.
La pantalla del monitor como forma de comunicación en el ciberespacio: como una interfaz nos refiere a una mediación simbólica de la comunicación, a un abismo entre quien sea que habla y la "posición de hablar" en sí (p.ej el apodo, la dirección de correo). "Yo" nunca "de hecho" coincido exactamente con el significante, no me invento a mí mismo; en cambio, mi existencia virtual fue, en cierto sentido, ya co-fundada con el advenimiento del ciberespacio. Aquí uno debe llegar a entenderse con cierta inseguridad, pero no puede ser resuelta como en un simulacro contingente postmoderno... Aquí también, como en la vida social, las redes simbólicas circulan alrededor de los núcleos de lo real. Esta es una respuesta a la inversión a menudo planteada por Žižek: no se trata de "¿qué podemos aprender acerca de la vida en el ciberespacio?" sino más bien, "¿qué podemos aprender acerca del ciberespacio en la vida?" Estas inversiones sírven al psicoanálisis teorético: es decir, contrario al psicoanálisis aplicado, no busca meramente analizar trabajos de arte y hacer lo que es amenazante comprensible, sino crear una nueva perspectiva en lo ordinario, renovar la sensación de extrañeza sobre la vida diaria, y por vía del objeto desarrollar más allá la teoría.
Las redes simbólicas, son nuestra realidad social.
Lo imaginario
Lo imaginario se encuentra situado al nivel de la relación del sujeto consigo mismo. Es la mirada del Otro en la etapa del espejo, el fallo en ese reconocimiento ilusorio, como concluye Jacques Lacan citando a Arthur Rimbaud: "Yo soy un otro" ("Je suis un autre"). Lo imaginario es la fantasía fundamental que es inaccesible a nuestra experiencia psíquica y se eleva de la pantalla fantasmal en la que encontramos objetos de deseo. Aquí también podemos dividir lo imaginario entre un real (el fantasma que asume el lugar de lo real), un imaginario (la imagen/pantalla en sí que sirve como cebo) y un simbólico imaginario (los arquetipos de Jung y el pensamiento New Age). Lo imaginario nunca puede ser agarrado, ya que todo discurso sobre él siempre estará localizado en lo simbólico.
Todos los niveles están interconectados, de acuerdo a Jacques Lacan (del seminario XX en adelante), en una forma de nudo borromeo, como tres anillos enlazados juntos de manera que si uno de ellos se desconectara, el resto también caerían.

Prometeo/Narciso

2011-01-11T16:06:00.001-08:00

En la mitología griega, Prometeo (en griego antiguo Προμηθεύς, ‘previsión’, ‘prospección’) es el Titán amigo de los mortales, honrado principalmente por robar el fuego de los dioses en el tallo de una cañaheja, darlo a los humanos para su uso y ser castigado por este motivo.

Fausto/Sinfin

2011-01-11T15:18:00.001-08:00

Fausto es un personaje de ficción, protagonista de varias obras literarias y musicales, inspirado en un mago que se supone que vivió entre el siglo XV y el siglo XVI. Proclamaba que había vendido su alma al diablo para obtener sabiduría.

Sisífo/Loop

2011-01-11T15:17:00.001-08:00

Sísifo, dentro de la mitología griega, como Prometeo, hizo enfadar a los dioses por su extraordinaria astucia. Como castigo, fue condenado a perder la vista y empujar perpetuamente un peñasco gigante montaña arriba hasta la cima, sólo para que volviese a caer rodando hasta el valle, y así indefinidamente.

Hōjōki:"canto a la vida desde una choza"

2011-01-10T12:06:00.000-08:00

Hōjōki
Hōjōki (方丈記, ''Hōjōki''? traducido a veces como "Canto a la vida desde una choza") es una obra corta escrita en 1212 por Kamo no Chōmei. Describe los desastres que se suscitaron para la gente de Kioto desde los terremotos a la hambruna y el fuego. Chōmei se transforma en monje budista y se aleja más y más hacia las montañas, hasta terminar viviendo en una pequeña choza de 3 metros cuadrados.Hojoki es una de las grandes obras clásicas de la literatura japonesa. Escrita por Kamo-no-Chomei en 1211, cuando la aristocracia feudal comenzaba a perder terreno ante el empuje de la clase guerrera, este poema-ensayo expresa la angustia de un hombre ilustrado ante la fragilidad de la vida y la inestabilidad del mundo.
Luego de ser testigo de cataclismos, incendios y hambrunas, el interrogante central del poeta es cómo hay que vivir para hallar sosiego ante tanto dolor. Kamo-no-Chomei concluye que no le queda al hombre sino cultivar su libertad individual, una idea extraordinaria durante una época en que el budismo estaba en su máximo apogeo en la historia del Japón.

La frase inicial del Hōjōki es famosa en la literatura japonesa, como una expresión de temporalidad (Mujou (無情, Mujou?)), la trascendencia en este mundo:

"La corrientedel río jamás se detiene, el agua fluye y nunca permanece la misma. Lasburbujas que flotan en el remanso son ilusorias: se desvanecen, se rehacen y noduran largo rato."

Genero literario japonés:ZUIHITSU (expresa sensaciones del autor con su entorno)
Monje Kamo no Chomei de Hoojooki:“canto a la vida desde una choza”
Tsusezuregusa: “ensayos enla ociosidad”
Sei Shonagon:”el libro de laalmohadilla”

El libro de la almohadilla

2011-01-10T12:05:00.000-08:00

El libro de la almohadilla

Género literario japonés:Zuihitsu

2011-01-10T12:00:00.000-08:00

Zuihitsu (随筆^?) es un género de Literatura japonesa consistir en personal libremente conectada ensayos e ideas hechas fragmentos que expresan típicamente las sensaciones del autor con respecto a sus alrededores. El nombre se deriva a partir de dos caracteres chinos que significan “seguir” y de “cepillo”, y los trabajos del género se deben considerar así no como pedazos literarios tradicionalmente previstos pero algo como jottings ocasionales o al azar abajo del pensamiento por sus autores.

Historia

Zuihitsu emergido en Período de Heian con Sei Shōnagon's El libro de la almohadilla. Shōnagon, miembro de la corte imperial de Heian, guardó un diario privado de sus propias observaciones y musings sobre vida cortesa. Es confuso si o no ella lo pensó que se lanzará al público (aunque las secciones del trabajo sí mismo y los anecdotes a partir de su vida sugerirían que ella no lo hizo), pero el trabajo sin embargo sobrevivió y proporciona una visión alterna en la vida de la era, haciéndole un literario inestimable así como recurso histórico.

El género después ganó ímpetu como forma respetable de escribir varios siglos más adelante en Período de Kamakura. Con el depotentiation de la corte de Heian y la relocalización del capital a Kamakura, cerca de día moderno Tokio, muchos intelectuales, en medio del caos social, crecieron desilusionados y eligieron vivir adentro asceticism - una tendencia de la cual también reflejó la importancia creciente Buddhism puro de la tierra. Escribiendo del aislamiento, estos autores reflejaron en la degeneración de sus contemporáneos, a que consideraban los philistines, con respecto a sí mismos, así como la consideración general del impermanence del mundo material. El comandante trabaja a partir de este período incluye Kamo ningún Chomei' s Una cuenta de mi choza y Yoshida Kenkō' s Ensayos en ociosidad.

Zuihitsu se levantó al renombre de corriente en el período del Edo, cuando encontró a audiencia ancha en las clases mercantil desarrolladas recientemente. Además, ganó un equilibrio de estudiante, pues los eruditos clásicos japoneses comenzaron acostumbradamente a escribir en zuihitsu'' estilo del `'. Los autores reputables de este movimiento incluyen Motoori Norinaga, Yokoi Yayu, y Matsudaira Sadanobu.^[1].

Temas

Como género se centró en gran parte en la escritura y la contemplación personales, zuihitsu las escrituras tienden para explorar las ediciones reflexivas de las actitudes penetrantes a la hora de su composición. Los temas Overarching, sin embargo, incluyen la naturaleza de la vida aristocrática y sus averías así como los unpleasantries del mundo y de sus denizens. Muchos de los trabajos ofrecen los casos de la poesía, reflejando a menudo en temas típicamente “japoneses”, tales como aprecio para cambiar de las estaciones. Además, período de Kamakura zuihitsu, arraigado fuertemente en pensamiento budista, contiene típicamente los musings del autor en el impermanence del mundo material.

Tsurezuregusa por Yoshida Kenko "ensayos en ociosidad"

2011-01-08T20:26:00.001-08:00

"En todo la uniformidad es indeseable.Dejar algo incompleto lo hace interesante,y le da a uno la impresión de que hay espacio para el crecimiento"

Guy Debord

2011-01-05T16:15:00.000-08:00

Guy Debord Internacional Situacionista
En términos generales, las teorías de Debord intentaron explicar el debilitamiento de las capacidades espirituales en el curso de la modernización de las esferas tanto privadas como públicas de la vida cotidiana por las fuerzas del capitalismo de mercado durante la modernización de Europa tras la Segunda Guerra Mundial. Los sentimientos de alienación, postuló Debord, podían ser explicados por las fuerzas invasivas del «espectáculo» — la naturaleza seductora del capitalismo consumista. Los análisis de Debord aplicaron la crítica de comercialización de Karl Marx y Georg Lukács a lo que superficialmente se llama «los medios» y proclamó que la alienación era más que una descripción emotiva: el resultado provocado históricamente por el capitalismo. La Internacional Situacionista intentó crear una serie de estrategias que se acercaban directamente a Dadá y el surrealismo.

Tambora 1816 año sin verano

2010-12-31T04:33:00.001-08:00

Durante el verano boreal de 1816, el año sin verano, el hemisferio norte soportó un largo y frío "invierno volcánico" debido a la erupción deTambora. Durante este terrible año, Mary Wollstonecraft Shelley y su marido Percy Bysshe Shelley hicieron una visita a su amigo Lord Byron que entonces residía en Villa Diodati, Suiza.

Alguna vez has visto la nieve caer?

2010-12-27T05:04:00.001-08:00

Ante un cruce de calles en el centro de Kabul, se ven dos imágenes diferentes, seguramente tomadas por distintas personas. Pero, ¿por qué se ha retratado ese lugar concreto y no otro? ¿Es casualidad? ¿Se está buscando otro objetivo? ¿Para qué se hacen esas fotos? Estas preguntas y otras similares se plantea el narrador ante las fotos en la pantalla.

Las primeras imágenes que se muestran del aeropuerto de Kabul hablan de un país que empieza a ser objetivo del turismo. Rápidamente se suceden fotografías que recuerdan los efectos de la invasión soviética, la llegada de los talibanes, la ocupación de Estados Unidos y sus aliados. ¿Por qué no aparece el nombre de Kabul coronando la torre de control? ¿Qué sentido tiene la leyenda “Have a nice trip” en ese aeropuerto?

La voz del artista no para de hacer preguntas sobre la autenticidad de lo que ve el espectador. Cuando no hay respuestas, la imagen desaparece de la pantalla, a veces durante más de un minuto de blanco incómodo.

García Torres aclara que no ha querido hacer un documental. Explica que sólo ha querido que el público se cuestione lo que tiene delante. Convencido de que nada es lo que parece y de que es mentira que una imagen valga más que mil palabras, el artista mexicano propone una nueva lectura. “Cada imagen está hecha con una intención, nada es casual. Cada uno de nosotros podemos contar nuestras propias historias”, dice.

“Se trata de contar la historia de un lugar donde yo nunca he estado, de hacer un análisis formal, con el fin de sacar conclusiones a partir de detalles, antes pasados por alto, en las imágenes del lugar y el tiempo correspondientes. Me llamó la atención ese episodio que generaba y funcionaba como un espacio que lo situaba en un lugar místico”, explica el artista.

¿Alguna vez has visto la nieve caer? es, como afirma su autor, un diaporama que marca el trayecto de Alighiero e Boetti en Kabul, pero por otro lado, también es un ensayo sobre fotografía y la relación entre el fotoperiodismo y el arte, y el arte conceptual.

Esta pieza pretende relacionar la forma en que se cuenta la historia y los documentos que en su momento pretendían ser un documento fidedigno, porque “la fotografía en ese entonces aspiraba a ser el documento más fiel”, expresa Mario García Torres, quien agrega que “me interesó contar las cosas menos contadas, porque la idea es contar lo que menos se ha investigado”.

2012

2010-12-21T14:26:00.000-08:00

Iceberg Brandon 2010

2010-12-15T04:11:00.000-08:00

...No!...ese es mi hijo!

2010-11-29T07:09:00.000-08:00

Daniel Dennet 2010

2010-11-29T03:59:00.000-08:00

http://www.ted.com/talks/lang/spa/dan_dennett_cute_sexy_sweet_funny.html

Derek Sivers: How to start a movement

2010-11-21T06:47:00.000-08:00

http://www.ted.com/talks/lang/spa/derek_sivers_how_to_start_a_movement.html

Lúdico

2010-11-21T06:18:00.001-08:00

En el artículo titulado "Un juego nuevo y otros viejos", publicado en su trascendental obra dedicada a los niños y niñas de América, José Martí escribió: "Los pueblos, lo mismo que los niños, necesitan de tiempo en tiempo algo así como correr mucho, reírse mucho y dar gritos y saltos. Es que en la vida no se puede hacer todo lo que se quiere, y lo que se va quedando sin hacer sale así, de tiempo en tiempo, como una locura"

...vinculos con el espacio y tiempo

2010-11-07T19:04:00.000-08:00

A nosotros como observadores nos corresponde poner en evidencia tales relaciones.A nosotros nos toca juzgar las obras de arte en función de los vínculos que producen dentro del contexto específico en el que se debaten.
Porque el arte, y no percibo finalmente otra definición que las abarque a todas, es una actividad que consiste en producir relaciones con el mundo, materializando de una forma o de otra sus vínculos con el espacio y con el tiempo.

Postproducción

2010-11-07T18:40:00.001-08:00

La parte mas vital del juego que se desarrolla en el tablero del arte responde a nociones interactivas, sociales y relacionales.
El lazo social se convirtió en un artefacto estandarizado,una sociedad en la cual las relaciones humanas ya no son "vividas directamente" sino que se distancian en su representación "espectacular".Aquí es donde se situa la problematica mas candente del arte de hoy.
¿Es posible generar relaciones con el mundo,en un campo practico tradicionalmente abocada a la "representación"?
Nicolás Bourriaud

Dialogue with Lucinda

2010-11-07T17:04:00.000-08:00

Vargas Llosa

2010-10-21T09:38:00.000-07:00

¿Cuáles fue el camino que llevó a Vargas Llosa de Arequipa a Estocolmo? Los misterios de la creación son inmensos. Y hay teorías para todos los gustos. Una, privilegia la capacidad de integrar los modos de procesamiento de la información de cada uno de los hemisferios cerebrales.El izquierdo, orientado en la temporalidad, analítio y verbal, abstracto y racional; y el derecho, que juega en el terreno de lo espacial, sintético y preverbal, concreto y emocional.

Max Hernández

Martin Creed 1968

2010-10-17T09:58:00.000-07:00

Me han operado,el martes pasado 12 de octubre de la pata para poder pintar y pasear por Paris...todo andará mejor.

"pensamiento chamánico"

2010-10-17T09:52:00.000-07:00

La estructura y el funcionamiento de nuestro mundo encubre una especie de presunción racionalista, según la cual el hombre sería capaz de establecer, independientemente de los elementos contingentes, la verdad o la falsedad de las cosas, asumiendo como infalible el proceso de abstracción, cuando en verdad su validez en el dominio de la realidad, distinto del de las ideas, es absolutamente discutible. En un contexto diferente, que algunos han llamado “pensamiento chamánico” y que nosotros denominamos mundo relacional, la sola tentativa de establecer la verdad o la falsedad de un fenómeno, simplemente no tendría sentido. Un termómetro intenta medir la temperatura del agua pero altera necesariamente su valor. La verdadera realidad no existe.